음악의 계보 3, 낭만주의 이후 현대음악의 특징과 쇤베르크, 스트라빈스키 등 주요 음악가

고대음악, 중세음악, 르네상스 음악을 다룬 음악의 계보 1편과 바로크 고전주의 낭만주의 음악을 다룬 음악의 계보 2편에 이어 마지막 음악의 계보 3편, 현대 음악에 대해 살펴본다.

아놀드 쇤베르크, 1947, 피렌체 호몰카

Florence Homolka, Attribution, via Wikimedia Commons

 

 

음악의 계보 3, 낭만주의 이후 현대음악의 특징과 쇤베르크, 스트라빈스키 등 주요 음악가

 

음악의 계보

- 고대 음악(선사시대부터 5세기까지)
- 중세 음악(5세기~15세기)
- 르네상스 음악(15세기~17세기 초)

- 바로크 음악(17세기 초~18세기 중반)
- 고전주의 음악(18세기 중반~19세기 초)
- 낭만주의 음악(19세기 초~20세기 초)

- 현대음악(19세기 후반~현재)

 

현대음악의 특징과 배경

현대음악은 낭만주의 시대 이후의 시기를 말하며 대략 19세기 후반부터 현재까지를 말한다. 이 시기는 다양한 음악 스타일, 새로운 기법과 기술의 실험, 전통적인 음조 조화에서 벗어나는 것이 특징이다.

현대 음악의 특징

- 무조성과 불협화음의 탐구: 현대 작곡가들은 불협화음과 무조성을 탐구하면서 전통적인 음조 조화에 도전하기 시작했다. 아놀드 쇤베르크, 알반 베르크 및 안톤 베버른과 같은 작곡가는 중앙 음조 계층 없이 반음계의 12개 음정을 모두 구성하는 12음 기법을 개발했다.

- 리듬의 복잡성: 현대 음악은 불규칙한 박자, 폴리리듬, 색다른 리듬 패턴을 포함한 리듬의 복잡성을 특징으로 한다. 이고르 스트라빈스키, 벨라 바르톡과 같은 작곡가는 민속 음악과 원주민 음악 전통을 통합하여 작곡에 역동성과 활력을 더하는 리듬 혁신을 가져왔다.

- 형식과 구조의 실험: 현대음악 작곡가들은 과거의 전통적인 교향곡 형식에서 벗어나 새로운 형식과 구조를 실험했다. 그들은 우연 음악, 미니멀리즘, 연재 음악, 전자 음악과 같은 틀에 얽매이지 않는 구조를 탐구했다.

- 비서구 영향의 통합: 현대 작곡가들은 비서구 음악 전통에서 영감을 얻어 아프리카, 아시아 및 원주민 음악의 요소를 작곡에 통합했다. 이러한 문화 간 교류는 새로운 하이브리드 스타일과 장르의 개발로 이어졌다.

- 기술의 발전: 녹음 기술, 전자 악기, 컴퓨터 소프트웨어의 출현은 현대 음악의 생산과 보급에 혁명을 일으켰다. 음악가와 작곡가들은 이러한 기술을 수용하여 전자 사운드, 샘플링 및 스튜디오 조작을 실험했다.

 

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현대음악의 주요 음악가

아놀드 쇤베르크(1874~1951)

오스트리아의 작곡가이자 이론가인 쇤베르크는 낭만주의 시대에서 모더니즘으로의 전환을 주도한 인물이었다. 그는 12음 기법을 개발하고 무조와 연속주의 작곡을 개척했다. 쇤베르크의 작품으로는 "달에 홀린 피에로(Pierrot Lunaire)", "정화된 밤(Verklärte Nacht)", "모세와 아론(Moses und Aron)" 등이 있다.

이고르 스트라빈스키(1882~1971)

나중에 프랑스와 미국 시민이 된 러시아 작곡가인 스트라빈스키는 20세기의 가장 영향력 있는 작곡가 중 한 명이었다. 리듬, 화성, 관현악의 경계를 뛰어넘은 '봄의 제전(The Rite of Spring)', '페트루슈카(Petrushka)', '불새' 등의 발레곡으로 유명하다.

이고르 스트라빈스키, 1920년 경, 조지 그랜샘 베인

클로드 드뷔시(1862~1918)

인상주의와 관련된 프랑스 작곡가인 Debussy의 음악은 새로운 조화로운 언어와 음색의 가능성을 탐구했다. "목신의 오후의 서곡" 및 "바다(La Mer)"와 같은 그의 작곡은 색상, 질감 및 형태의 혁신적인 사용을 통해 생생한 이미지와 분위기를 불러일으킨다.

벨라 바르톡(1881~1945)

헝가리 작곡가이자 민족음악학자인 바르톡의 음악은 민속음악의 요소와 현대적 기법을 종합했다. "관현악을 위한 협주곡" 및 "소우주"와 같은 그의 작곡은 리듬의 복잡성, 모달 멜로디, 생생한 오케스트레이션을 혼합했다.

존 케이지(1912~1992)

미국 작곡가이자 아방가르드 이론가인 케이지는 실험음악의 선구자였다. 음악 작곡과 연주에 대한 전통적인 개념에 도전하여 기회, 침묵, 주변 소리의 요소를 작품에 통합했다. 케이지의 가장 유명한 작품인 "4' 33"은 4분 33초의 침묵으로 구성되어 청취자가 주변 환경의 소리에 집중하도록 유도한다.

존 케이지, 1988, 롭 크로즈

Rob Croes for Anefo, CC0, via Wikimedia Commons>

스티브 라이시(1936~)

미니멀리즘과 관련된 미국 작곡가인 라이시의 음악은 반복, 위상 전환 및 리듬 패턴을 탐구한다. "18명의 음악가를 위한 음악" 및 "다른 기차"와 같은 그의 작곡은 음악적 요소의 점진적인 변형과 레이어링을 통해 최면적이고 몰입감 넘치는 음향 경험을 만들어낸다.

필립 글래스, 1993, 파스칼 살레르노

Pasquale Salerno,CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

 

필립 글래스(1937~)
현대 클래식 음악에서 가장 영향력 있는 인물 중 한 명으로 여겨지는 미국 작곡가다. 반복적인 구조, 점진적인 화성 변화, 맥동하는 리듬이 특징인 미니멀리스트 작곡으로 유명하다.

필립 글래스는 1960년대에 시작되어 단순함, 반복, 형태의 명확성을 강조한 미니멀리스트 운동의 두드러진 인물로 등장했다. 스티브 라이시, 테리 릴리와 같은 작곡가와 함께 현대 음악에 지대한 영향을 미친 독특한 미니멀리스트 스타일을 개발했다.

"해변의 아인슈타인", "사티아그라하", "The Voyage" 등 수많은 오페라를 작곡했는데 비서사적 구조, 미니멀리스트 미학, 무대, 조명, 시각적 요소의 혁신적인 사용이 특징이다. 로버트 윌슨 감독과 공동 작업한 <해변의 아인슈타인>은 글래스의 대표작이자 아방가르드 오페라의 랜드마크로 꼽힌다.

마틴 스콜세지, 우디 알렌, 에롤 모리스와 같은 감독과 협력하여 100편이 넘는 영화의 음악을 작곡했고, 오페라 및 영화 악보 외에도 교향곡, 협주곡, 현악 4중주, 피아노 작품을 포함하여 광범위한 관현악 및 실내악을 작곡했다.

데이비드 보위, 브라이언 이노, 폴 사이먼과 같은 팝 뮤지션 뿐 아니라 시각 아티스트, 댄서, 안무가 등 다양한 장르의 아티스트와 협업하며 클래식 음악 세계를 넘어 그의 영향력을 확장했다.

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