음악의 계보 1, 고대 음악에서 중세 음악 르네상스 음악까지, 음악의 특징과 주요 음악가

동물 가죽과 뼈로 만든 타악기와 성악이 주가 되었던 고대 음악에서 실험적인 기법과 새로운 시도의 현대 음악까지, 인류의 음악에 대한 탐구와 창작, 감상은 계속되어왔다.

고대 음악에서 중세음악, 낭만주의에서 현대 음악까지 음악의 계보를 3차례에 걸쳐 살펴본다.

기욤 드 마쇼와 자녀들, 14세기

 

음악의 계보 1, 고대 음악에서 중세 음악 르네상스 음악까지, 음악의 특징과 주요 음악가

 

음악의 계보 (고대~현대 음악)

- 고대 음악(선사시대부터 5세기까지)
- 중세 음악(5세기~15세기)
- 르네상스 음악(15세기~17세기 초)

- 바로크 음악(17세기 초~18세기 중반)
- 고전주의 음악(18세기 중반~19세기 초)
- 낭만주의 음악(19세기 초~20세기 초)

- 현대음악(19세기 후반~현재)

 

고대 음악(선사시대부터 5세기까지)

고대 음악은 선사시대부터 대략 서기 5세기까지, 문자 표기법이 발달하기 이전에 존재했던 음악 전통을 말한다. 고대 음악에 대한 자세한 정보는 서면 기록이 부족하기 때문에 드물지만, 고고학, 역사적 저술, 예술 묘사를 통해 그 특성과 관행에 대한 통찰력을 얻을 수 있다.

주로 보컬과 리드미컬하며 종종 의식, 의식 및 스토리텔링과 관련된다. 악기에는 초기 타악기, 플루트, 거문고, 하프가 포함된다. 메소포타미아, 이집트, 그리스, 로마 등의 문화에는 고유한 음악적 전통이 있었다.

고대 음악의 특징

보컬 지배력: 고대 음악은 주로 보컬이었으며 노래는 다양한 문화적 관행, 의식 및 의식에서 중심 역할을 했다. 성악은 종종 박수, 구르기 또는 기본 타악기 사용을 통해 만들어진 단순한 리듬 패턴을 동반했다.

리듬 및 타악기 요소: 리듬은 보컬 연주에 리듬 반주를 제공하는 데 사용되는 드럼, 래틀, 클래퍼와 같은 다양한 타악기와 함께 고대 음악에서 중요한 역할을 했다. 이러한 리듬은 춤이나 종교 의식과 같은 공동 활동과 연결되어 나타났다.

제한된 악기: 성악이 지배적이었지만 고대 문명에서는 플루트, 거문고, 하프 및 다양한 유형의 드럼과 같은 다양한 간단한 악기도 활용했다. 이러한 도구는 대개 나무, 동물 가죽, 뼈와 같은 천연 재료로 만들어졌다.

즉흥 연주와 구전 전통: 서면 표기 시스템이 없기 때문에 고대 음악은 구전 전통과 즉흥 연주에 크게 의존했다. 음악가들은 암기와 반복을 통해 멜로디, 리듬, 연주기법을 전수해 음악적 표현의 유연성과 변화를 가능하게 했다.

문화적 중요성: 고대 사회의 음악은 종교 의식, 스토리텔링, 공동체 결속, 오락 등 다양한 문화적 기능을 수행했다. 이는 공동체 내에서 문화적 정체성, 신념, 가치를 표현하고 강화하는 데 중요한 역할을 했다.

고대 음악의 음악가, 악기들

메소포타미아: 문명의 요람 중 하나로 여겨지는 고대 메소포타미아에는 풍부한 음악적 전통이 있었다. 메소포타미아의 음악가들은 사회 내에서 존경받는 위치를 차지했으며 종교 의식 및 왕실과 관련이 있었다. 메소포타미아 음악에서는 수금이나 하프 같은 악기가 흔히 사용되었다.

고대 이집트: 음악은 고대 이집트 사회에서 종교적, 세속적 목적을 모두 충족하는 중심 역할을 했다. 고대 이집트의 음악가들은 음악 연주에 전념하는 전문 길드를 통해 높은 사회적 지위를 누렸다. 이집트 음악에는 시스트럼, 하프, 플루트, 타악기가 일반적으로 사용되었다.

고대 그리스: 음악은 성악과 악기 연주를 크게 강조하면서 고대 그리스 문화에서 중요한 위치를 차지했다. 그리스 음악은 종교 찬송가, 연극 음악, 축하 노래 등 다양한 장르를 포괄했다. 주목할만한 악기로는 aulos(이중 플루트), 키타라(Kithara)가 있다.

고대 로마: 고대 로마의 음악은 그리스와 에트루리아 전통의 영향을 받았다. 고대 로마의 음악가들은 종교 의식, 공개 축제, 사적인 모임 등 다양한 환경에서 공연했다. 로마 음악에서는 경골(로마 플루트), 거문고, 튜바(트럼펫)와 같은 악기가 일반적으로 사용되었다.

 

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중세 음악(5세기~15세기)

중세 음악은 성악, 특히 그레고리오 성가와 신성한 다성음악이 지배적이었다. 류트, 하프, 초기 건반 악기와 같은 악기를 특징으로 하는 기악이 등장하기 시작했다. 음악은 본질적으로 주로 종교적인 것이었고 교회와 궁정 기능에 사용되었다.

중세음악의 특징

신성성 지향: 중세 음악의 대부분은 신성한 것이었고 주로 종교 의식과 의례에 사용하기 위해 작곡되었다. 그레고리오 성가 또는 일반 성가는 단성(단선) 성악의 주된 형태였다. 이 곡은 조화가 없는 단일 멜로디를 특징으로 하며 기독교 예배의 일부로 라틴어로 불려졌다.

단성음악과 초기 다성음악: 처음에는 중세 음악이 단성음악이었으나 다성음악(다중 독립 선율)이 9세기경에 등장하기 시작했습니다. 오르가눔과 같은 초기 형태의 다성음악에는 기존 성가에 추가 멜로디 라인을 추가하는 것이 포함되었습니다. 이는 이후 세기에 더욱 복잡한 다성음악 작곡의 토대를 마련했습니다.

모달 시스템: 중세 음악은 음높이 구성을 관리하는 선율 및 화성 프레임워크인 모드 시스템을 중심으로 구성되었다. 각 모드에는 고유한 음정 세트와 특징적인 멜로디 패턴이 있어 작곡과 즉흥 연주의 기초를 제공한다.

원고 전통: 중세 시대의 기보법은 초기 발전 단계에 있었다. 음악 기보법의 가장 초기 형태인 네이메스는 음높이 윤곽과 선율 모양을 나타내기 위해 텍스트 위에 배치된 기호였다. 리듬 표기법은 최소화되거나 부재했으며 연주자들은 구전 전통과 즉흥 연주에 의존하여 음악을 해석했다.

세속 음악: 중세 유럽에서는 종교 음악과 함께 세속 음악도 번성했다. 프랑스 남부와 북부의 음유시인과 음유시인은 각각 샹송이라는 세속적인 노래를 작곡하고 연주했다. 이 노래들은 종종 궁정의 사랑, 기사도, 목가적인 삶의 주제를 묘사했다. 또한 에스탬피(estampies)나 댄스와 같은 중세 춤은 세속 오락의 인기 있는 형태였다.

힐데가르트 폰 빙겐, W,마샬

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중세 음악의 주요 음악가

힐데가르트 폰 빙엔(1098-1179): 독일의 수녀원장이자 신비주의자이자 작곡가인 힐데가르트 폰 빙엔은 다작의 종교 음악 작곡가였다. 후렴, 시퀀스, 찬송가를 포함한 그녀의 작곡은 서정적인 아름다움과 표현력이 풍부한 멜로디가 특징이다.

기욤 드 마쇼(Guillaume de Machaut, 1300-1377): 프랑스 작곡가이자 시인인 기욤 드 마쇼는 리듬의 복잡성과 표현적인 다성음악이 특징인 중세 후기 음악 스타일인 아르스 노바(Ars Nova) 시대의 선도적인 인물이었다. Machaut의 작곡은 샹송, 모테트, 미사곡 등 다양한 장르를 망라했다.

레오닌과 페로틴: 이 두 작곡가는 12세기 말과 13세기 초에 파리의 노트르담 학교와 관련이 있었다. 그들은 특히 오르가눔과 컨덕투스의 구성을 통해 초기 다성음악의 발전에 크게 기여했으며, 이는 후기 다성음악 스타일의 토대를 마련했다.

르네상스 음악(15세기~17세기 초)

음악의 르네상스 시대는 대략 14세기 후반에서 17세기 초반(1420~1600년경)에 걸쳐 있으며, 예술, 과학, 문화의 더 넓은 르네상스 시대와 겹친다. 이 시기에는 예술에 대한 관심의 부활, 고전 고대의 부활, 그리고 새로운 음악적 기법과 형태의 탐구가 이루어졌다.

인본주의와 세속주의의 발흥은 세속적인 성악과 기악의 발달로 이어졌다. 

 

르네상스 음악의 특징

다성음악과 모방 대위법: 르네상스 작곡가들은 여러 개의 독립적인 멜로디 라인이 함께 엮여 풍부한 하모니를 만드는 복잡한 다성음악 질감을 탐구했다. 한 목소리가 다른 피치 레벨에서 다른 목소리를 모방하는 기술인 모방 대위법이 점점 더 보편화되어 화음이 더욱 정교해졌다.

모달 하모니 및 조성: 중세 음악이 음조 구성을 위해 모달 시스템에 의존한 반면, 르네상스 작곡가들은 장음계와 단음계를 기반으로 하는 시스템인 조성을 탐구하기 시작했다. 화음 진행이 더욱 구조화되어 음조 중심과 기능적 화음 관계가 확립되었다.

단어 회화와 마드리갈리즘: 르네상스 작곡가들은 멜로디, 리듬, 화성과 같은 음악적 요소를 사용하여 텍스트의 의미를 반영하는 문자 회화 개념을 수용했다. 마드리갈리즘(Madrigalism), 즉 감정이나 이미지를 가사에 표현하기 위해 표현적인 음악적 장치를 사용하는 것은 르네상스 성악의 특징이 되었다.

아카펠라 합창 음악: 르네상스 성악은 악기 반주 없이 연주되는 아카펠라가 대부분이었다. 작곡가들은 합창단, 마드리갈 그룹, 성악 합창단을 포함한 다양한 성악 앙상블을 위해 작곡하여 반주 없는 목소리의 표현 가능성을 탐구했다.

기악의 발전: 성악이 여전히 지배적인 반면, 르네상스 시대에는 기악에 대한 관심이 커졌다. 작곡가들은 기악곡, 협주곡, 성악 작품의 기악 편곡을 쓰기 시작하여 나중에 기악 장르가 발전할 수 있는 길을 열었다.

르네상스 음악의 주요 음악가

Josquin des Prez (c. 1450-1521): 프랑스-플랑드르 작곡가인 Josquin des Prez는 르네상스의 가장 영향력 있는 인물 중 한 명이었다. 그의 작곡은 미사곡, 모테트곡, 샹송곡, 세속 성악곡 등 다양한 장르를 망라했다. 조스캥의 음악은 표현의 깊이, 복잡한 다성음악, 혁신적인 텍스트 설정 사용으로 유명하다.

Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594): 후기 르네상스의 이탈리아 작곡가인 Palestrina는 다성음악의 숙달과 종교음악에 대한 공헌으로 유명하다. 미사, 모테트, 찬송가를 포함한 그의 작곡은 명확성, 균형, 대위법적 우아함을 보여주어 "음악의 왕자"라는 명성을 얻었다.

지오반니 팔레스트리나, 16세기

Thomas Tallis (c. 1505-1585) 및 William Byrd (c. 1540-1623): Tallis와 Byrd는 영국 르네상스 음악에 기여한 것으로 알려진 영국 작곡가였다. 그들은 미사, 모테트, 성가, 건반 음악을 포함하여 다양한 종교 작품과 세속 작품을 작곡했다. Tallis와 Byrd는 르네상스 시대 영국 음악 전통을 형성하는 데 중추적인 역할을 했다.

Orlando di Lasso(1532-1594): 후기 르네상스의 프랑스-플랑드르 작곡가인 Lasso는 다양한 장르에서 2,000개가 넘는 작품을 작곡하는 등 다작의 작가였다. 그의 작곡에는 미사, 모테트, 마드리갈, 샹송, 기악이 포함됩니다. Lasso의 음악은 감정적 깊이, 표현력이 풍부한 멜로디, 복잡한 다성음악이 특징이다.

올란도 디 라소, 1593 이후

바로크, 고전주의, 낭만주의 음악

▶ 음악의 계보 2편, 바로크 고전주의 낭만주의 음악 참조

 

음악의 계보 2, 바로크 음악에서 고전주의 음악 낭만주의 음악까지, 음악의 특징과 주요 음악가

현대 음악(19세기 후반~현재)

음악의 계보 3편에서

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▶ 르네상스 음악에 대한 다른 포스팅

르네상스 음악의 특징과 배경, 르네상스시대 음악가와 대표곡